Sono i molti i registi che hanno vissuto o vivono nel sogno di Hitchcock. E Una nuova amica inizia proprio come un Hitchcock interiorizzato, rarefatto, trasformato in ricordo da Ozon, che ne riproduce i movimenti di macchina e l’emotività sofferente. Ma il film si distacca subito da questa passione “necrofila” per un cinema passato, e si anima di vita propria: in pochi minuti ricostruisce un’esistenza, in una sintesi di tempo ed emozione. La giovinezza è un minuetto spezzato (stupenda la scena che mostra le amiche adolescenti al cinema, reminescente di Gli anni in tasca di Truffaut). Da questo intenso prologo, Ozon costruisce un percorso di identità, che riveste d’una luce ideale. Lontano dal pessimismo di Sirk quanto dal grottesco di Almodovar, Ozon compone un melodramma misurato, geometrico, in cui prevale l’atto del guardare/guardarsi. Virginia diventa uno specchio per Claire (sono molte le scene in cui i gesti dell’una sono ripetuti dall’altra). Lo sguardo come scoperta: il montaggio alternato in cui Virginia e Claire si truccano allo specchio nell’ansia di rivelare la propria femminilità è un crescendo emozionale. Qualcuno l’ha definito un film “corretto”, io l’ho trovato un film che, anche in quel finale così sognato e ideale, senza tempo né realtà, aspira al superamento di tutti i limiti dell’esistenza.
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BIRDMAN di Alejandro González Iñárritu
Guardando Birdman ho pensato come spesso ci voglia un autore non americano per comprendere fino in fondo la natura di Hollywood e dell’America – dal suo spirito alla sua psicologia. Se Billy Wilder scarnificava la nascita e la morte del divismo, ed il mutamento crudele e funebre della macchina-cinema hollywoodiana, servendosi dei suoi stessi codici (osservati con malinconia non solo in Viale del Tramonto, ma soprattutto in Fedora), adesso Iñárritu si insinua negli stretti spazi del teatro, con una Handycam invasiva, alla ricerca del corpo e della mente dell’attore. Micheal Keaton, consumato tra ambizione e umanità, risponde al suo super-io Birdman esattamente come Willem Dafoe, in Spiderman di Sam Raimi, rispondeva alla presenza allucinata del suo Green Goblin. Una voce nel cervello, che elide la linea tra realtà e immaginazione. Ed è significativo che un film contro i supereroi adotti un procedimento che viene proprio da un esponente del genere – ma in fondo Iñárritu subisce il fascino del fantastico, dell’evasione che fa sognare le folle. Il suo virtuosismo cinematografico – questi piani sequenza fluidi, senza limiti di spazio, capaci di attraversare gli ostacoli – non sono che la manifestazione di un superpotere: desiderio, forse, di volare.
AMERICAN SNIPER di Clint Eastwood
Non volevo aggiungere altre parole a un film così discusso, ma non ho resistito; un film stupendo che ho visto giudicare da molti nel modo più superficiale, “passaparolistico” possibile. Come si fa con tanta sicurezza a sparare le parole “reazionario, nazionalista”, quando sin dalle primissime scene Clint Eastwood ci strazia con quell’inquadratura che contiene, al suo interno, una bibbia e dei soldatini di metallo? Eccoli, gli strumenti dell’educazione di un bambino nell’America più spietata. Per me, American Sniper è una vera esperienza; mi ha sconvolta. E’ impossibile non vedere il tormento che contiene questo film, ed è impossibile non restare meravigliati dalla sua perfetta resa formale. Quegli spazi ridotti, quella visione obbligata in un mirino; Kyle, cane da pastore obbediente e meccanico; la nevrosi del montaggio, che alterna due vite inconciliabili. La forma, da sola, contiene tutta la visione di Clint Eastwood: combina realtà oggettiva ed orrore, lucida concentrazione e pulsioni di morte.
Frammenti di cinema - di Marcella Leonardi 